Steve Reich

Steve Reich Beskrivelse af dette billede, også kommenteret nedenfor Steve Reich i 2006 Nøgledata
Fødselsnavn Stephen Michael Reich
Fødsel 3. oktober 1936
New York ( USA )
Primær aktivitet Komponist
Stil Moderne musikMinimalistisk musik
Års aktivitet Siden 1965
Samarbejde Terry Riley , Philip Glass , Beryl Korot
Redaktører Boosey & Hawkes
Uddannelse Cornell University (1953-57)
Juilliard School of Music (1958-61)
Mills College (1961-63)
Mestre Darius Milhaud , Luciano Berio
Ægtefælle Beryl korot
Priser Praemium Imperiale ( 2006 )
Polar Music Prize ( 2007 )
Pulitzer Prize for Music ( 2009 )
Nemmers Prize for Musical Composition ( 2016 )
Internet side www.stevereich.com

Primære værker

Steve Reich seks marimbas.jpg Piano Phase
Drumming
Music for 18 Musicians
The Desert Music
forskellige tog
City Life
Tre Tales

Steve Reich , født den3. oktober 1936i New York , er amerikansk musiker og komponist . Han betragtes som en af ​​pionererne inden for minimalistisk musik , en strøm af moderne musik, der spiller en central rolle i klassisk musik i USA . For at karakterisere hans arbejde og især hans kompositioner fra perioden 1965-1976 foretrækker han at bruge udtrykket ”  fasemusik  ” (oversat fra den amerikanske fasning ), der henviser til hans opfindelse af den musikalske teknik til faseskift . Fra 1976 udviklede han en musikalsk skrivning baseret på rytme og pulsering med et af hans vigtigste værker, Music for 18 Musicians , der markerede starten på hans brede internationale succes. Fra da af anerkendt som en vigtig moderne komponist orienterede han sit kompositionsværk omkring indstillingen til talen af ​​talen, især i multimedieværker, der forbinder videoen oprettet i samarbejde med sin kone Beryl Korot .

Selvom Steve Reich har spillet en central rolle i udviklingen af ​​moderne musik og gennem sine værker påvirket kunstnere ud over hans skabelsesfelt, såsom elektronisk musik og nutidig dans , er han stadig en komponist. Ikke særlig produktiv, der skrev under hele af sin karriere kun omkring halvtreds forskellige stykker. Disse har dog givet ham adskillige internationale priser og udmærkelser og er genstand for en meget vigtig diskografi.

Biografi

Ungdom og studier

Steve Reich, født i en middelklasse New York jødisk familie i 1936, er søn af Leonard Reich, en advokat, og June Sillman, der optræder som skuespillerinde, sanger og sangskriver på Broadway . Hans forældre skiltes, da han var et år gammel, hvilket førte ham til at bo indtil 1942 mellem New York med sin far, hvor han blev opdraget af sin guvernante, Virginia Mitchell, og Los Angeles i løbet af ferien med sin mor, der blev gift igen med Sidney Carroll med hvem hun får tre andre børn, herunder forfatteren af fantasy Jonathan Carroll . I en alder af syv tog han klaverundervisning, men vil ifølge ham være mere interesseret i de følgende år inden for populærmusik. I løbet af sin ungdomsår opdagede han også jazz gennem sine venner og grundlagde sammen med dem i en alder af 14 år en gruppe, som han tromlede af. Hans passion for rytme førte ham til alvorligt at studere percussion med Roland Kohloff, timpanist fra New York Philharmonic .

I starten af ​​sine studier i 1953 fulgte Steve Reich først et kursus i filosofi, hvor han især studerede essays fra Ludwig Wittgenstein, men også musikhistorien med William Austin, som ville have stor betydning i orienteringen af ​​hans studier. musikalske smag. Han dimitterede fra Cornell University i 1957. I modsætning til ønsket fra sin far, der ønskede, at han skulle udøve et liberalt erhverv, besluttede han at forfølge musikstudier ved Juilliard School of Music i New York , hvor han blev indskrevet i. 1958 til 1961 i klaver- og percussionskurser med William Bergsma og Vincent Persichetti , men også i komposition i private lektioner hos jazzpianisten Hall Overton . Det var også i denne periode, at han mødte Art Murphy , Peter Schickele og Philip Glass , også studerende ved Juilliard, men med hvem han derefter erklærede at have intet til fælles. Hans personlige liv blev markeret på dette tidspunkt af et første ægteskab i 1960 med Joyce Barkett, hvorfra en søn Michael blev født i 1962, men parret skiltes et år senere. Han beslutter at rejse til San Francisco i sommeren 1961, hvor han oplever en periode med personlig tvivl og udfører ulige job.

Fra 1962 til 1963 studerede han komposition med Darius Milhaud og atonal musik med nyrekrutteret Luciano Berio ved Mills College i Oakland , Californien, hvor han opnåede sin Master of Arts . Det var i denne periode, at han besluttede ikke at komponere i den daværende dominerende stil af seriemusik og endda erklære som reaktion mod den:

”  John Cage og serialisme har været en indflydelse for mig frem for alt at blive bekæmpet. "

Undersøgelsen af ​​serialisme med Berio skubbede faktisk Steve Reich mod hans naturlige tiltrækning til rytme og tonalitet . Under hans forsøg på seriel komposition fandt Reich sig at fordreje systemet ved hjælp af gentagelsen af ​​serien i samme form for at integrere lidt harmoni i det. Berio vil derefter sige til ham: “Hvis du vil skrive tonal musik , så fortsæt, skriv tonal musik” . Det var også i hans studieår på Mills College, at Steve Reich tog sin første kontakt med afrikansk musik takket være Gunther Schuller , der introducerede ham til det første teoretiske essay om emnet, Studies in African Music af Arthur Morris Jones , et værk som derfor vil være en del af hans referencebøger.

Derefter fortsatte han sin opdagelse af modal jazz gennem John Coltrane, der ville have en stærk indflydelse på hans forfatterskab inden for en improvisationsgruppe, herunder Jon Gibson , med hvem han arbejdede regelmæssigt i seks måneder. På dette tidspunkt deltog han i San Francisco Tape Music Center , en institution, der blev anerkendt for sit arbejde med ny elektronisk musik og konkret musik . Reich deltager også i San Francisco Mime Troupe, hvis instruktør beder ham komponere musikken til deres produktion af Ubu Roi af Alfred Jarry, som havde premiere den10. december 1963. Han mødte Robert Nelson  (en) , en eksperimentel filmskaber, for hvem han skrev den oprindelige musik til to kortfilm, plast Haircut og Oh Dem Vandmeloner , i 1964 , som allerede bruges magnetbånd og princippet som medie. De sløjfer . Samme år komponerede han Music for Two or More Pianos (1964), hvor han eksperimenterede med begyndelsen af fasning og dermed lagde de allerførste milepæle i hans fremtidige teknikker. Det var også i anledning af de musikalske aftener arrangeret af Reich på Boccana Street med denne mimetruppe, som han mødte iMaj 1964af Terry Riley, der kom for at overvære en af ​​dem som nabo. Riley og Reich indser derefter deres fælles interesser, og sidstnævnte foreslår at være en del af det ensemble, som Riley kæmper for at sammensætte til den kommende forestilling af sit helt nye stykke. Det4. november 1964, han deltager som pianist med Jon Gibson (på saxofon) og hans daværende kæreste Jeannie Brechan (på elektrisk klaver), som han rekrutterede, i skabelsen af In C , der betragtes som det grundlæggende arbejde med minimalistisk strøm . Det er Reich tyder på, at Riley anvendt en markant og stabil rytmisk puls ved klaveret In C . Til gengæld vil Rileys indflydelse på fremtidige Reich-kompositioner være af stor betydning.

Begyndelsen af ​​minimalisme

Steve Reich mødte Terry Riley sommeren 1964 og blev tilbudt af sidstnævnte at deltage i verdenspremieren på4. november 1964de In C , der af musikologer betragtes som en af ​​de første vigtige kompositioner i den minimalistiske bevægelse . Ud over hans deltagelse i forestillingen bidrager Reich også til skrivningen af ​​dette stykke ved at foreslå Riley at bruge en fast puls . Derefter komponerede han sine to første anerkendte værker, It's Gonna Rain (1965) og Come Out (1966). Betragtes som eksperimentelle, de er faktisk delvist resultatet af en teknisk ulykke, der fik ham til at opdage princippet om fasning / faseforskydning . Disse to stykker afspejler også en politisk samvittighed, især til fordel for borgerrettighedsbevægelsen i USA og faren for nuklear optrapning. ISeptember 1965, vendte han tilbage til New York, bosatte sig i distriktet TriBeCa og besøgte mange kunstnere fra den minimalistiske bevægelse som Robert Rauschenberg , Sol LeWitt og Robert Smithson . I 1968 skrev han sit essay Music as a Gradual Process, som dukkede op året efter og blev medtaget i kataloget over en stor minimalistisk udstilling på Whitney Museum . Steve Reich samarbejder i 1969 med Philip Glass og Moondog i deres fælles bestræbelse på at skabe en stærk minimalistisk musikalsk bevægelse, der blev indledt et par år tidligere. Han fortsætter stadig sin musikalske træning, især afrikansk percussion, med Gideon Alorworye ved Institut for Afrikanske Studier ved University of Ghana i Accra, hvor han tilbragte sommeren 1970. Ved sin tilbagevenden, påvirket af hans erfaring, komponerer han Drumming , en percussion stykke, der anvender hans teoretiske forskning, og til den opførelse, som han grundlagde sit eget ensemble kaldet Steve Reich and Musicians . Han foretog derefter undersøgelsen af indonesisk gamelan , denne gang i Seattle og Californien, især med Nyoman Sumandhi fra 1973 til 1974.

På samme tid som denne læretid komponerede han et originalt værk baseret på gentagelsesteknikken og brugen af ​​lyde fra hverdagen. Han opgiver dog ikke traditionelle instrumenter, som han komponerer mange instrumentale eller orkestrale stykker for. Hans arbejde blev internationalt anerkendt i 1971 med optagelsen af Drumming på Deutsche Grammophon , hvilket gjorde ham til en af ​​figurerne i moderne amerikansk musik og især af skolen for såkaldt gentagen musik sammen med Terry Riley og Philip Glass . Derefter fik han ophold i Berlin i 1974 , optrådte ofte med sit ensemble, opnåede kompositionskommissioner og offentliggjorde Writings About Music , en teoretisk sum af hans kompositionsteknikker og deres perspektiver. Han mødte også det år billedkunstneren Beryl Korot , der optrådte på The Kitchen , som han giftede sig med30. maj 1976, med hvem han vil få en søn, Ezra Reich, i 1978, og med hvem han aldrig vil ophøre med at samarbejde.

International anerkendelse

Med afgang fra sin tidligere musikalske forskning om ren gentagelse besluttede Reich fra 1973 at fokusere på arbejde på rytme, pulsation og forestillingen om "overflade timbrisk variation". Han komponerede nogle af sine mest berømte værker i 1970-80'erne, såsom Music for 18 Musicians (1976), Eight Lines (1979), The Desert Music (1984) eller Different Trains (1988). De fleste af kompositionerne fra denne periode er beregnet til store instrumentale grupper. Et nyt element introduceres derefter i Reichs musik: fra 1976 vender han tilbage til jødedommen ved at studere musik ( cantillation ) og bibelske tekster (han lærer hebraisk ) oprindeligt i New York og derefter iFebruar 1977i Jerusalem . Denne periode udgør et øjeblik med stor tvivl i karrieren som komponist af Steve Reich, der efter Music for 18 Musicians føler, at han har udtømt sine kreative kilder og mener, at han ikke har noget mere at skrive uden at gentage sig selv, hvilket han nægter. Derefter fristes han alvorligt til at opgive musikken og blive rabbiner . I sidste ende vil hans studier af hans hebraiske rødder kulminere i skrivningen af Tehillim , hans første arbejde gennemsyret af hebraisk kultur , hvilket vil markere et nyt vendepunkt i hans kompositionsstil og en ny personlig drivkraft.

Hele perioden i 1980'erne og 1990'erne var faktisk præget af en vigtig personlig filosofisk, religiøs, historisk og politisk involvering i skrivningen af ​​hans værker. Reich afviger således fra den rene formelle forskning, der karakteriserede hans minimalistiske kompositioner for at tilføje en dimension af intellektuel refleksion og spørgsmålstegn. Derudover er hans musikalske kreationer ikke længere kun begrænset til at blive spillet af et simpelt musikalsk ensemble, men indbefatter også fra kompositionens fase bidrag fra nye audiovisuelle teknologier, især video og multimedie, som han tackler i samarbejde med sin kone Beryl Korot. De udestående værker i denne periode er hovedsageligt kompositioner til musikalske ensembler, Counterpoint- serien for forskellige instrumenter og to vigtige multimedieoperaer, The Cave (1990) og Three Tales (2002), som henholdsvis er frugten af ​​hans refleksioner om det ' gamle ' Testamente deles af monoteistiske religioner og teknologiske fremskridt i XX th  århundrede.

Den Lincoln Center i New York præsenteret en stor retrospektiv af hans arbejde i juli 1999 som en del af sin sommerfestival. I 2006 blev der i anledning af hans 70 -  års fødselsdagsfester afholdt rundt omkring i verden og især i New York med en cyklus kaldet Steve Reich @ 70 , koncerter og retrospektiver i større musikalske institutioner byer som Carnegie Hall , Whitney Museum , Lincoln Center og den Brooklyn Academy of Music . Steve Reich, der nu bor i Pound Ridge i Westchester County , nord for New York, komponerer Daniel-variationerne til disse begivenheder til hans ære , et værk bestilt til minde om Daniel Pearl . Ved denne lejlighed offentliggøres en samling af hans vigtigste kompositioner under titlen (amerikansk) Faser . En mindre demonstration af samme type blev også arrangeret af musikinstitutioner i New York, London og Paris i 2011 til 75 -  årsdagen.

Steve Reich har modtaget mange prestigefyldte priser. I 1994 blev han medlem af American Academy of Arts and Letters . Blandt de internationale priser, i 2006 modtog han den Praemium Imperiale de musique. I 2007 blev han tildelt den prestigefyldte Polar Music Prize (medmodtager med Sonny Rollins ) for ”sin unikke evne til at bruge gentagelser, kanonteknikker og minimale mønstervariationer til at udvikle et helt univers af stemningsfuld musik. Inspireret af forskellige musikalske traditioner overførte [han] spørgsmål om tro, samfund og filosofi til hypnotisk musik, der har inspireret musikere og komponister med forskellig baggrund ” . Endelig, efter at have været tre gange successivt finalist fra 2003 til 2005, modtog han Pulitzer-prisen 2009 for musikken20. april 2009til Double Sextet , et værk oprettet i 2008 .

Musikalsk sprog

Ungdommens indflydelse og værker

Ligesom mange amerikanske komponister XX th  århundrede , Steve Reich siger hans grundlæggende musikalske påvirkninger er værker af Bach , Debussy , Satie , Ravel , Bartók (herunder Mikrokosmos ), Kurt Weill , Stravinskij og jazz især bebop og sammensætningerne ifølge John Coltrane (inklusive Afrika / messing ); han forbliver dog meget fjernt mod den spirende rock and roll, som ikke interesserer ham. Ifølge ham blev indflydelsen fra fransk impressionistisk musik ubevidst manifesteret i skrivningen af ​​harmonierne med en "farvet" baslinje og det mellemliggende register, der understøtter "strukturen". Steve Reich erkender også, at den anden store indflydelse på hans musik kommer fra Cantus firmus , melody organums af Perotin , komponist af School of Notre Dame i Paris i XII th  århundrede. Dette er karakteriseret i hans kompositioner ved brug af kanonen "anvendelse på enhver lyd" og brugen af ​​teknikker til at udvide til ekstremer i andre trin end multipla af to. Det var imidlertid fra Bartók og nærmere bestemt fra Mikrokosmos , at Reich afledte ideen til brugen af ​​kanonen. Arbejdets struktur i form af en bue, de parallelle bevægelser af fjerdedele og femtedele samt brugen af tilstande kommer også fra undersøgelsen af ​​denne komponist.

Steve Reichs tidlige kompositioner er skrevet i den tolvtonede stil, han studerede på Mills College med Berio, men hvor han allerede introducerede gentagelsesprincippet, som med Music for String Orchestra , for at genskabe en statisk harmoni. For at opnå sit eksamensbevis komponerede han Four Pieces i 1963 for trompet, saxofon, klaver, kontrabas og percussion, der er præget af en serieforfatter, men gør en klar tilbagevenden til modalitet og talrige lån fra jazz. Dette sidste stykke af hans studieår er vigtigt i den forstand, at det fik Steve Reich til at indse, at på trods af hans begrænsninger som udøvende musiker, måtte han være i stand til at spille alle hans kompositioner og nå den konklusion, at for ham:

”En sund musikalsk situation skyldes kun foreningen af ​​komponistens og musikerens funktioner i en person. "

Opdagelse af faseskift

Hans første virkelige værker fra midten af 1960'erne er bygget på princippet om et gradvist skift i udførelsen af ​​musikalske motiver, hvilket skaber nye lyde ved indfasning / indfasning . Efter en teknisk ulykke for hans båndoptagere, der mistede deres synkronitet under optagelsen af ​​en prædikans tale i San Francisco , havde han ideen om kontinuerligt at spille to sløjfer af samme lyd, spillet samtidigt i starten og derefter gradvist fremskynde dem relativt til hinanden. Denne proces har den effekt, at der genereres nye lydfigurer fra det samme musikalske materiale. Det blev brugt for første gang i grundlæggerstykket It's Gonna Rain i 1965 , derefter i Come Out og Melodica i 1966 og derefter tilpasset til et første instrument, saxofon , i stykket Reed Phase i 1967 . To år senere blev denne proces også anvendt på solo- og liveinstrumenter, der potentielt kunne dispensere med magnetbånd og ethvert mekanisk hjælpemiddel til udførelsen af klaverfase og violinfase komponeret i slutningen af ​​1967.

Brug af faseforskydning understreger delernes struktur. Reich siger eksplicit i sit essay fra 1967 Musik som en gradvis proces, at han ønsker, at lytteren gradvist skal høre udfoldelsen af ​​den musikalske proces. Stykkernes struktur er tydeligt eksponeret med ekstremt simpelt musikalsk materiale, så lytteren gradvist kan opfatte de små variationer, der introduceres.

Reich så dog hurtigt grænserne for faseforskydningsteknikken og begyndte allerede i violinfasen ( 1967 ) ikke længere at fokusere udelukkende på det rå resultat af processen. Komponisten integrerer derefter ”resulterende mønstre”, som består af superposition af de forskellige stemmer, der på en specifik og anderledes måde for hver lytter skaber psyko-akustiske illusioner af opfattelsen af ​​yderligere lyde. Det er også udtrykkeligt beslutter det antal gange af faseskift og tilføjelsen af ekstra stemmer. Introduktionen af ​​æstetiske valg fra komponisten flytter disse stykker væk fra en ren status af eksperimentelle stykker, hvilket ikke længere er det enkle resultat af en faseændringsproces. Imidlertid ser Reich sine værker fra 1965-1971 som radikale stykker, strenge studier af en teknik, som han stædigt studerede.

Med Drumming ( 1971 ) udvider Steve Reich sine musikalske teknikker og producerer sine seneste forbedringer i brugen af ​​faseskift, mens han bevæger sig mod en mere struktureret musik og mere ligner en melodi- og akkompagnementsstruktur. Hvis interessen for struktur og rytme forbliver til stede, er trommeslag meget mere optaget af lyd og harmoni. Komponisten inkorporerer også stemmer for første gang . Han kombinerer instrumenter af forskellig klang og er interesseret i den gradvise ændring af klang, samtidig med at rytmen og tonehøjden holdes konstant. Reich opgav det rene faseskift i 1972, men han vendte lejlighedsvis tilbage til det i nogle få senere værker som Nagoya Marimbas fra 1994.

Mod en mere kompleks stil

Kulminationen på ti års Reichs arbejde med minimalisme ser dens højdepunkt og en afgørende stilistisk udvikling med sit ambitiøse stykke, Music for 18 Musicians, hvis komposition tog to år mellemMaj 1974 og April 1976. Dette stykke foreslår faktisk ikke længere en asketisk og teoretisk minimalisme, der er baseret på en streng matematisk proces med faseforskydning, men udvikler en hel række forskningsundersøgelser om harmoni, melodi, rytme og især pulsation, som snart vil udgøre under Steve's fundament. Reichs forfatterskab baseret på ”forestillingen om overfladetimbrisk variation”. Stykket er skrevet for at frigøre sig fra de strenge strukturer, som Reich havde brugt indtil da, og søger ikke længere at høre processerne i musikalsk konstruktion. Derudover gør introduktionen af ​​rigere elementer både overvågning af processen vanskeligere og meningsløs. Musik til 18 musikere markerer komponistens interesse for stadig mere rige strukturer og arbejde med en lang række instrumenter. Reich bekræfter ved at erklære i 1976, at han ikke længere er interesseret i minimalistisk musik i streng forstand.

I 1981 med stykket Tehillim derefter i 1984 med The Desert Music besluttede Steve Reich ikke længere at bruge stemmerne som instrumenter, men begyndte at skrive rigtige tekster, som sangere kunne udføre. Dette resulterer i et behov for komponisten at foretage konstante ændringer af målinger for at tilpasse dem til stavens toniske accenter og fra et harmonisk synspunkt bruge kromatisk ændrede akkorder, der passer til diktningen af hebraisk . Tehillim er også den første komposition, der ikke bruger gentagelse af korte musikalske motiver, selvom gentagelse stadig er en vigtig del af værket. Motiverne og deres gentagelser er dikteret af salmeteksten , hvis betydning Steve Reich ville bevare. Steve Reichs fornyede interesse for hans jødiske kultur og religion fik ham til at interessere sig for cantillation , hvis undersøgelse til dels påvirker hans måde at komponere på, især i Octet , men han beslutter bevidst at ignorere traditionen for Tehillims sammensætning .

På dette tidspunkt fortsatte Reichs musik også ofte ved at gendanne mange hverdagslyder, såsom meddelelser og toglyde i Different Trains ( 1988 ) eller nødbilsirener og bilalarmer i City Life ( 1995). ). Reich tilføjer derefter til sine kompositionssamtaler med mennesker lavet til den lejlighed, hvor han fordobler hver tale med et referenceinstrument såsom viola for kvindelige stemmer og cello for mænd i forskellige tog . Den ”melodi af tale” bliver da det musikalske materiale. Den artikulerede tale indtager også et vigtigt sted, ofte i gentagen form som for The Cave ( 1990 ), Three Tales ( 2002 ) eller for nylig med WTC 9/11 ( 2011 ) ved hjælp af lydoptagelser og vidnesbyrd i forhold til angrebene. af 11. september 2001 . En form for diskontinuerlig sang udgør således en vigtig del af hans arbejde.

I 2008 forsøgte han sig med 2 × 5 ved den formelle brug af et musikalsk ensemble fra pop-rock-scenen (guitarer, bas, trommer), en tilgang, han fortsatte i 2012 med Radio Rewrite , denne gang. Her i musicalen skrivning inspireret af melodiske linjer lånt fra to sange fra den engelske popgruppe Radiohead .

Fra 2015 besluttede han at vende tilbage til at skrive for større ensembler, hvilket resulterede i oprettelsen af ​​to stykker - Runner (2016) og Music for Ensemble and Orchestra (2018) - hvilket markerede en tilbagevenden til komposition. For orkester. Denne proces fortsætter med det kunstneriske samarbejde med den tyske maler og kunstner Gerhard Richter om oprettelse af et multimedieværk (malerier af Richter, film af Corinna Belz og musik af Reich) med titlen Reich / Richter (2019).

Modtagelse og anmeldelser

I 1960'erne blev Steve Reichs første værker udført i kunstgallerier, museer eller universiteter. Reich føler sig hverken godt tilpas med serialister eller med John Cages tilhængere , men finder på den anden side et opmærksomt øre i verdenen af samtidskunst og de billedkunstnere, han besøger. Den første offentlige forestilling i et klassisk koncertsal er organiseret med støtte fra Michael Tilson Thomas og Boston Symphony Orchestra ,8. oktober 1971i Boston , hvor Reich, Tilson Thomas og to medlemmer af Boston Orchestra udfører Four Organs . Den følgende koncert i 1973 i den berømte Carnegie Hall i New York udløste en skandale, da tilskuere og kritikere ærligt talt var fjendtlige over for den hypnotiske og gentagne karakter af spillet.

Det var diskoptagelserne, der hjalp Steve Reich med at udvikle sit omdømme, især en plade produceret af det franske label Shandar med Four Organs og Phase Patterns . Turen til hans ensemble i Europa er også anledning til en vis positiv kritik, som Daniel Caux i Paris i 1971. Koncerterne i Tyskland får dog mindre succes, mødes endda med en vis fjendtlighed. Kritikere i USA er blandede, undertiden fjendtlige, som dem fra Donald Henahan fra New York Times , eller mere gunstige, som dem fra Tom Johnson for Village Voice , en indflydelsesrig avis med alternativ skabelse i New York.

Den diskografiske anerkendelse kommer fra Tyskland med i 1974 optagelsen på det prestigefyldte klassiske musikmærke Deutsche Grammophon af stykkerne Drumming , Six Pianos og Music for Mallet Instruments, Voices, and Organ . I 1978 var det indspilningen af Music for 18 Musicians, der virkelig gjorde Steve Reichs musik kendt internationalt og for et bredt publikum. Det er det tyske mærke Edition of Contemporary Music , dedikeret til jazz og improviseret musik , der producerede disken, der tillader spredning og opdagelse af et af hans grundlæggende værker til et meget større publikum end det forrige . Til dato har Reich en individuel diskografi på mere end 70 separate plader og omkring tredive optagelser i samarbejde med hovedsageligt andre kunstnere af den minimalistiske strøm, hvilket er ganske bemærkelsesværdigt for en levende komponist. Desuden er de seneste år de koncerter, der viser hans værker på programmet, relativt store med et gennemsnit på omkring 250-300 datoer om året rundt om i verden, der viser interessen og bred distribution af hans arbejde til offentligheden.

Det er avantgardekomponisterne og et par musikologer, der er mest fjendtlige over for Reichs arbejde og mere generelt over for minimalistisk musik . Selvom de anerkender en vis strenghed i komponistens tilgang, betegner visse musikologer hans musik som "musik uden fortid eller fremtid" og deltager i en "regression af lytning". Elliott Carter er en af ​​de mest kritiske komponister af brugen af ​​gentagelse i musik, hvilket han svarer til uopfordrede gentagelser i reklamen. I modsætning hertil komponisten György Ligeti , en af de vigtigste komponister XX th  århundrede og i høj grad beundrede Reich siger om hans musik end simple konstruktionsprincipper danner en rig og kompleks musik særlig elegant og sofistikeret.

Steve Reichs indflydelse i moderne kreationer

I klassisk musik

Steve Reich blev anerkendt af mange internationale aviser som "en af de vigtigste komponister XX th  århundrede" ( New York Times ) og "en af de få levende komponister, der med rette kan hævde at have ændret historiens gang musik” ( Den Guardian ). Mere prosaisk, betydningen af Steve Reich i musik af den sene XX th  kan tallet blive evalueret dens indvirkning på hans samtidige. Steve Reich mødte først Philip Glass, mens han studerede på Juilliard School . Mens de betragtes som de to hovedfigurer i minimalistisk musik, er det vanskeligt at bemærke en stor indflydelse af den ene på skrivningen af ​​den anden, undtagen ved deres fælles og nutidige vilje i begyndelsen. At skabe bevægelse for at bruge gentagelsesprincippet, af subtil variation af et mønster og af at øve en tilbagevenden til harmoni. I 1968 dannede Philip Glass sit eget musikalske ensemble kort efter Steve Reich (som grundlagde det i 1966), men ville dog deltage som instrumentalist i skabelsen af ​​stykkerne Four Log Drums (1969) og Four Organs (1970) af hans ven før de distancerer sig. På den anden side vil Reichs musikteknikker, især brugen af det talte sprog fra 1981 som støtte for komposition, direkte påvirke Scott Johnsons arbejde, der vil bruge de samme teknikker og af John Adams til hans kompositioner tættere på Vestlig tradition. Af operaen. Det anerkendes også, at Reich spillede en vigtig rolle i udviklingen af ​​engelsk minimalistisk musik på grund af hans venskab med Michael Nyman og virkningen af ​​hans strenge faseprocesser for eksperimentelle musikkomponister som Christopher Hobbs , Dave Smith og John White . Reich citeres også regelmæssigt af jazzmusikere som en kilde til indflydelse eller interesse, som med Nik Bärtsch .

Elektronisk musik og popmusik

Derudover havde Steve Reich en betydelig indflydelse i popverdenen . Det mest berømte tilfælde er Brian Eno, der opdagede sin musik i midten af 1970'erne under en koncert i England i 1974, og som anerkender, at Music for Airports er et "produkt af Reichs musik". På grund af båndet mellem Eno og David Bowie, som han tog til en koncert i 1976, blev sidstnævnte også påvirket af det elektroniske aspekt og Reichs teknikker, som han anser for at være "spor af fremtidens toner". Endelig blev principperne for prøveudtagning, der blev udtalt af Reich fra hans første værker i perioden 1965-1968, naturligvis taget op af elektroniske musik kunstnere som Jeremy Peyton Jones , Andrew Poppy eller den engelske gruppe The Orb , hvilket førte til en vis udvikling inden for musik. techno fra 1990 som det fremgår af hyldest til Reich af kunstnere som Chris Hughes med hans coveralbum minimalistiske kompositioner Shift (1994) eller Coldcut , Ken Ishii og DJ Spooky i deres college-album Reich Remixed fra 1999 .

Nogle rockkunstnere er også blevet påvirket af Steve Reich. Lee Ranaldo , guitarist af Sonic Youth, erklærer at være blevet markeret lige så meget af Reichs musik i 1970'erne som af alt, hvad der blev gjort i rock på samme tid. Han indrømmer at finde beundring og inspiration der indtil i dag. Endelig for nylig fandt Rolling Stone-gennemgangen en stærk indflydelse af musik for 18 musikere i konceptalbummet Illinois (2005) af Sufjan Stevens .

Moderne dans

Ud over musik har Steve Reichs kompositioner haft stor indflydelse på arbejdet hos en af ​​de vigtigste nutidige dansekoreografer , den belgiske Anne Teresa De Keersmaeker . Begyndelsen på hendes karriere vil blive præget af hendes opdagelse af New York-komponistens musik under hendes studier på Tisch School of the Arts, hvor hun skrev sit grundlæggende stykke Fase (1980-1982) faldende med dans - om værkerne Klaver Fase , violinfase , kom ud og klappende musik - komponistens indfasnings- / indfasningsprincip . I mere end 25 år vil De Keersmaeker bruge kompositionerne fra Reich, som derfor bliver "rejsekammeraten og ankerpunktet" til sine shows blandt de vigtigste: Fase (1982), Drumming (1998), Rain (2001) ). Reich, meget imponeret over De Keersmaekers arbejde, takket være hvilket han erklærer at have opdaget "nye følelsesmæssige og psykologiske planer i sit arbejde", vil til gengæld komponere stykket Dance Patterns for hende i 2002, som hun vil bruge til at skrive Counter Phrases i 2003. I 2007 oprettede hun en hyldestaften med titlen Steve Reich Evening, der dækker alle hendes koreografiske værker gennem 25 år omkring Reichs musik ved at fremhæve dens betydning i hendes kreationer.

Derudover arbejdede Steve Reich mellem 1971 og 1975 omfattende med den amerikanske koreograf Laura Dean, der skrev et stort antal stykker om hendes kompositioner, herunder Drumming (1975), Impact (1985), der gav dem en fælles Bessie Award og Space for the New York City Ballet (1988). Hans musik har også tjent som medium for kreationer af Lucinda Childs , Lar Lubovitch , Jerome Robbins , Eliot Feld og Twyla Tharp .

Arbejder

Ikke-offentliggjorte tidlige værker

Redigerede værker

Præmier og anerkendelse

Han er selv medlem af juryen for Tōru Takemitsu Composition Prize i 2008

Selektiv diskografi

Dette kapitel er ikke beregnet til at være udtømmende for de omkring 140 diske, der er offentliggjort af Reichs værker, men for at liste de væsentlige optagelser af komponistens diskografi:

Noter og referencer

  1. "Steve Reich" om Encyclopædia Britannica
  2. Interview med Steve Reich i Music for 18 Musicians libretto indspillet af Steve Reich og Musicians på Nonesuch Records , 1997.
  3. Potter (2000) , s.  231-233
  4. I 1950'erne komponerede hun under navnet June Carroll, sangen Love is a Simple Thing .
  5. Potter (2000) , s.  151-156 .
  6. Skrifter om musik , forord af Bérénice Reynaud (1981) .
  7. "  Forskellige Trains  " , på den IRCAM hjemmeside .
  8. (in) Gabrielle Zuckerman Et interview med Steve Reich , American Public Media , juli 2002.
  9. Denne beslutning vil føre til et brud i hans forhold til sin far indtil 1972, hvor en artikel dedikeret til Steve Reich dukkede op i The New York Times . Hans far, der anerkender sin søns succes, vil genoptage kontakten med ham.
  10. "  Steve Reich  " , på den IRCAM webstedet .
  11. Potter (2000) , s.  156-164
  12. Tekster og interviews (1997) , s.  169-174 .
  13. Strickland (1991) , Steve Reich s.  39 .
  14. Olivier Bernard, Miljøantologi - Fra Eric Satie til Moby: duge, lufthavne og lydbilleder , Editions du Camion Blanc , 2013 ( ISBN  9782357794153 ) , s.  37 .
  15. Potter (2000) , s.  108-109
  16. Bodon-Clair (2008) , s.  61
  17. Potter (2000) , s.  164-167
  18. Bodon-Clair (2008) , s.  9-13
  19. Hvor han stadig bor ( Potter (2000) , s.  170 )
  20. Denne udstilling samlede også slægtninge til Reich som Richard Serra , Bruce Nauman og Michael Snow
  21. Reich genoprettede kontakten med Philip Glass i 1967 og arbejdede en tid i det lille flyttefirma, Chelsea Light Moving , oprettet af sidstnævnte ( Potter (2000) , s.  171 )
  22. Dokumentar Steve Reich - A New Musical Language , Arts Council of Britain , 1987.
  23. (in) "Ezra Reich taler musik og hans banebrydende far, Steve Reich" , Los Angeles Times , 2. april 2011.
  24. Potter (2000) , s.  176 .
  25. Potter (2000) , s.  246
  26. (i) Allan Kozinn, "Works of Then and Now, Celebrating Steve Reich" , The New York Times , 24. oktober 2006.
  27. Steve Reichs biografi på hans personlige hjemmeside.
  28. Steve Reich @ 70 , New York fejrer Steve Reich
  29. (da) Steve Reich @ the Whitney - En fejring af komponistens 70-års fødselsdag , Whitney Museum , oktober 2006.
  30. (i) Alexis Petritis, "Steve Reich er Schoenberg, Coltrane og Radiohead" , The Guardian , 1 st marts 2013.
  31. (i) Allan Kozinn, "fire sæt Unite for en moderne komponist Big Birthday" , The New York Times , en st maj 2011.
  32. (in) "US Composer Puts 9/11 Tragedy to Music" , Voice of America , 3. maj 2011.
  33. (i) Steve Reich på den officielle hjemmeside for Praemium Imperiale.
  34. (in) Se den officielle hjemmeside for Polar Music Prize i 2007.
  35. (da) Arkiv af Pulitzer-prisen i musik på den officielle hjemmeside for Pulitzer-prisen .
  36. (i) 2009 Pulitzer Prismodtagerne og Nomineret Finalisterne på den officielle hjemmeside for Pulitzer-prisen .
  37. Juryen for musikkategorien blev formand det år af John Schaefer , vært for New York radio WNYC
  38. (da) Interview med Steve Reich af Jonathan Cott tilgængelig på Steve Reichs officielle hjemmeside ( Items )
  39. Reich (1981) , s.  121
  40. Strickland (1991) , Steve Reich s.  37 .
  41. Dette stykke udføres kun én gang på Mills College af Reich på klaver, Einer Anderson på trompet, Paul Breslin på kontrabas, John Chowning på percussion og Jon Gibson på saxofon.
  42. Reich (2002) , s.  21
  43. Reich (2002) , Musik som en gradvis proces , s.  34-36
  44. Potter (2000) , s.  210
  45. Potter (2000) , s.  190
  46. Reich (2002) , Interview af Michael Nyman , s.  91-97
  47. Potter (2000) , s.  212-214
  48. Reich (2002) , Tehilim , pp.  100-105
  49. (i) "Steve Reich:" det er Beethoven på mandage og tirsdage vi Radiohead '" , The Guardian , 30. juni 2012.
  50. (da) Med Steve Reich , Nye lyde nr .  4222, WNYC , 4. maj 2019.
  51. (i) John Lewis, "Reich / Richter review - to kunstnere med magt til at forstyrre tid og rum" , The Guardian , den 24. oktober 2019.
  52. Potter (2000) , s.  208-209
  53. Strickland (1991) , Steve Reich s.  34 .
  54. (in) Se afsnittet Koncerter på komponistens officielle hjemmeside
  55. Jean-Noël von der Weid, musik af XX th  århundrede , Hachette Litteratur, 2005, s.  387 .
  56. Fink (2005) , s.  62 .
  57. Reich (2002) , omslag
  58. "Der er bare en håndfuld levende komponister, der legitimt kan hævde at have ændret retning af musikhistorie, og Steve Reich er en af ​​dem. »I The Guardian
  59. Potter (2000) , s.  247-250 .
  60. Steve Lake og Paul Griffiths, Horizons touched: musikken fra ECM , Granta UK,2007( ISBN  978-1-86207-880-2 ) [ detaljerede udgaver ] s.  361-362 .
  61. (i) "The Father of Sampling Speaks" , Rolling Stone , 27. marts 1999
  62. (in) "Review Illinois Sufjan Stevens" , Rolling Stone , 27. marts 1999
  63. Isabelle Ginot og Marcelle Michel, Dance in the XX th  century , Editions Larousse , 2002, pp.  195-197 ( ISBN  2-0350-5283-1 ) .
  64. Rosita Boisseau , panorama af moderne dans. 90 koreografer , Textuel Editions , Paris, 2006, s.  301 ( ISBN  2-84597-188-5 ) .
  65. Isabelle Danto, "Anne Teresa De Keersmaeker ser tilbage på sin fortid" , Le Figaro , 30. april 2007.
  66. "Rendezvous With Reich" , The New York Times , 17. oktober 2008.
  67. For Bob er et kort stykke til solo klaver komponeret for Bob Hurwitz , præsident for Nonesuch Records . (in) Justin Joffe, "Iconic Composers Celebrate a Champion of Modern Classical at BAM" , Oberver Music , 4. april 2017.
  68. [PDF] (i) Æresdoktor af Royal College of Music - HonDMus Modtagere , Royal College of Music (adgang 11 september 2020).

Tillæg

Dokumentar

Bibliografi

Dokument, der bruges til at skrive artiklen : dokument brugt som kilde til denne artikel.

Relaterede artikler

eksterne links