Oprindelsen til japansk skulptur går tilbage til lerfigurer. Japanske skulptur er under dobbelt påvirkning af kulturen i den Silkevejen til V th århundrede og senere til endnu mere udbredt i den kinesiske skulptur . Vestens indflydelse mærkes fra Meiji-æraen . Skulpturerne er lavet i lokale workshops, der bruges til skulptur og maleri. Størstedelen af skulpturerne findes foran huse og langs væggene i vigtige bygninger.
De fleste japanske skulpturer kommer fra kulten af afguder, der er specifikke for buddhismen, eller fra Shinto- guddommernes animistiske ritualer . Af alle Japans kunst er skulptur især knyttet til repræsentationen af temaer og figurer i buddhismen. De traditionelt anvendte materialer er metaller, især bronze og mere generelt træ, ofte lakeret , forgyldt eller malet i lyse farver. Ved slutningen af Tokugawa-perioden forsvandt denne traditionelle skulptur - med undtagelse af miniatureværker - stort set på grund af tabet af protektion for buddhistiske templer og adelen.
Selvom skulpturerne og artefakterne fra den primitive kunst ikke blev skabt af særligt dygtige håndværkere, og endnu mindre af kunstnere, der fuldt ud besidder deres håndværk, er der ikke desto mindre en spontanitet, der giver dem en ubestridelig kunstnerisk værdi. Under alle omstændigheder viser det sig, at eksemplerne på gammel primitiv kunst deler egenskaber, der er identiske med moderne kunst, og de gamle japanske lerfigurer kaldet dogu og haniwa er ingen undtagelse fra denne regel.
Ingen forskere har været i stand til at bestemme nøjagtigt, hvornår mænd bosatte sig i den japanske øhav. Det var disse tidlige indbyggere, der i sidste ende skabte den første rå indfødte japanske kunst lavet af grov terracotta og mærkelige lerfigurer kaldet dogū , som sandsynligvis er fetisher af religiøs karakter. Nogle kan have været brugt under fertilitetsritualer og nogle få under eksorcisme eller andre former for primitivt ritual.
Dogu- figurer er imponerende i deres groteske og mystiske symbolik, og en rå følelse af primær styrke og lidenskab stammer fra dem i de stærkt indgraverede linjer og hvirvler, som figurerne er dekoreret med.
Legenden, som rapporteret af Nihon Shoki (Chronicles of Japan), der er en gammel japansk historie udarbejdet i 720 , indikerer, at haniwaen blev bestilt i anledning af en kejseres død af kejseren, der ikke godkendte skikken ved embedsmænd og tjenestepiger til den afdøde til at følge deres herre i døden, beordrede, at lerfigurer blev kastet og anbragt omkring kofun (gravhaugen) i stedet for ofring af levende væsener. Ægtheden af denne velkendte historie sættes dog spørgsmålstegn ved historikere, der mener, at de cylindriske lerrør var de tidligste haniwa- former, og at de blev brugt som stave, der havde til formål at holde jorden på plads. Senere blev disse solide cylindriske haniwa dekoreret og antog forskellige former, herunder former for huse og kæledyr såvel som mennesker. De blev fundet arrangeret i en cirkel omkring højen, hvilket gav forskerens afhandling tillid. Uanset hvad blev haniwa- figurerne utvivlsomt senere klædt i en slags religiøs symbolik, uanset deres oprindelige praktiske funktion som stave.
Japan ud af perioden med den indfødte primitiv kunst med ankomsten af buddhismen til Japan fra det asiatiske kontinent til midten af VI th århundrede. Med den nye religion kommer dygtige kunstnere og kinesiske håndværkere til Japan for at bygge sine templer , forme dets afguder og overføre kunstneriske teknikker til indfødte håndværkere.
De tidligste eksempler på buddhistisk kunst findes i alle de vidundere akkumulerede tempel Horyu-ji af VII th århundrede Nara , hvis bygningerne selv arrangeret i et foreskrevet mønster med hovedbygningen , Shoro (Belfry), pagoder og andre bygninger er indesluttet i en overdækket galleri, der omgiver dem, bevarer en aura fra den antikke æra med de utallige kunstneriske skatte opbevaret i deres værelser.
Nara og dens omgivelser indeholder langt størstedelen af nationale skatte fra den tidlige periode med buddhistisk kunst, kendt i kunsthistorien som Asuka-perioden . Skulptur fra denne periode viser, som næsten al senere skulptur, indflydelsen fra den kontinentale kunst. Tori Busshi , den berømte billedhugger i denne Asuka-periode, fulgte stilen med Northern Wei- skulptur og etablerede det, der nu er kendt som Tori School of Sculpture. Blandt de bemærkelsesværdige eksempler på værker af Tori er triaden af Sakyamuni den bedst kendte, der repræsenterer de vigtigste ikoner i den gyldne sal i Horyu-ji-templet og kannon Bodhisattva i Yumedono-bygningen af det samme tempel, også kendt som Guze Kannon.
Nogle af de vigtigste buddhistiske skulpturer tilhører den følgende Hakuhō-periode , hvor skulpturen viser, hvor udbredt indflydelsen fra Tang-dynastiet var . Den urealistiske mystiske luft i den første Tori-stil erstattes af en blød, smidig stilling og sensuel skønhed, der ligner Maitreya- vejen med lange, smalle, skrå øjne og blide brændende træk, der på trods af deres ærbødige luft giver dem en lethed af intim tilgang. Koldheden i den tidligere Asuka-skulptur er blødgjort til en mere indfødt form og kan ses som et kompromis mellem det guddommelige og det menneskelige ideal.
Repræsentative værker fra denne periode er den smukke Sho Kannon fra Yakushi-ji-templet og Yumatagae Kannon af Horyu-ji , som begge viser fyldet med afrundet kød i foldene af stiliseret tøj og afspejler de kunstneriske træk ved Gupta- kunsten , transmitteret til japanerne ved Tang.
Mellem 710 og 793 lærte billedhuggere den høje Tang-stil og producerede selv en stil kaldet "Tenpyō-skulptur", der viste realistiske ansigter, massive og solide volumener, en naturlig afdækning og den følsomme repræsentation af følelser. Kejser Shōmu beordrede realiseringen af den kolossale Buddha Vairocana i forgyldt bronze af Tōdai-ji, som blev afsluttet i 752 . Selvom statuen er blevet ødelagt og repareret to gange, har en del af den originale sokkel overlevet. Blandt de mange originale værker skiller Asura fra Kōfuku-ji-templet sig ud, en statue dækket med tør lak, der fremhæver den følsomme skildring af følelser. De fire værger af Kaidan-in , en sekundær bygning i Tōdai-ji, er lerstatuer, der er lige så mange mesterværker.
En officiel nationalfabrik Zō Tōdai-ji si ("Tōdai-ji konstruktionskontor") producerer mange buddhistiske skulpturer ved arbejdsdeling for Tōdai-ji og andre officielle templer såvel som til templer, der er beregnet til at modtage nyhederne. Skulpturer i forgyldt bronze, tørlak, ler, terracotta, sten og sølv fremstilles på fabrikken, som også bruger repoussé- teknikken . Billedhuggere er generelt sekulære og får officiel status og løn. Nogle private workshops tilbyder buddhistiske ikoner til mennesker, og nogle munke laver dem selv.
Da den kejserlige hovedstad flyttede fra Nara til Kyoto i 794 , blev de store templer ikke overført til Kyoto. Regeringen opmuntrer den nye esoteriske buddhisme importeret fra Tang Kina. Den officielle Zo Tōdai-ji si fabrik blev lukket i 789 . Licenserede billedhuggere arbejder for de vigtige templer i Nara, de nye templer for de esoteriske sekter og retten. Billedhuggere får status som tempelpræster, uanset om de er medlemmer af ordenen. Træ bliver det vigtigste materiale.
Med hensyn til stil er Heian-æraen opdelt i to dele: I begyndelsen af perioden (794 - midten af X - tallet) vokser statuer af esoterisk buddhisme. Kūkai , Saichō og andre medlemmer af de japanske missioner til det kejserlige Kina importerer stilarter fra det tidlige og sene Tang-dynasti . Statuenes kroppe er formet af enkeltblokke af træ og virker imponerende, massiv og tung sammenlignet med værker fra Nara-æraen. Deres tykke og strenge lemmer, der næsten gennemsyrer deres ansigtsegenskaber med tyngdekraften, giver dem en følelse af mørkt mysterium og inspirerer ærefrygt i betragteren i overensstemmelse med hemmeligheden bag esoteriske buddhistiske ritualer. Tungt udskårne forhæng, hvis afrundede folder skifter med stærkt skårne folder, er typiske for denne periode.
I den anden del af den Heian periode (midten af X th århundrede XII th århundrede), den sofistikerede retten kultur og populariteten af dyrkelsen af Amida føde en ny stil: bløde funktioner, rolig og forfinet med mere dæmpede proportioner. Billedhuggere giver et japansk udseende til billedernes ansigter. Lederen af den buddhistiske sekt af det rene land (kult af Amida) Genshin og hans arbejde Ōjōyōshū påvirkede mange billedhuggere. Mesterværket i denne periode er Amida Buddha of Byōdō-in i Uji af mesteren Jōchō, der etablerede kanonen for buddhistisk skulptur. Han kaldes eksperten til yosegi zukuri- teknikken : billedhuggere arbejder med flere blokke af træ. Denne teknik tillader produktion med lærlinger i mesternes værksteder. Det resulterer i fremkomsten af en middelmådig og gentagen stil efter Jocho . På denne skole etablerede et barnebarn af Jōchō et værksted, der arbejdede for den kejserlige domstol i Kyoto. En disciplin af Jōchō etablerede også et Sanjyō-værksted i Kyoto.
Den Kamakura æra anses for at være den renæssance æra af japansk skulptur. Skulpturerne fra Kei-skolen , arvinger til Jōchos arbejde , er oprindelsen til denne vækkelse. De illustrerer mestring, som kunstnere har tilegnet sig i teknikken kendt som yosegi-zukuri (samling af træblokke) og repræsenterer stilen med den nye skulptur. Det er efter at have studeret mesterværkerne fra den tidlige Nara-periode samt malerierne og skulpturerne fra det kinesiske Song-dynasti, at japanske billedhuggere lykkes med at gendanne realisme, repræsentation af følelser, soliditet og bevægelse. Derudover anvendes ler, tørlak, prægning , terracotta ikke længere. Billedhuggere bruger primært træ og undertiden bronze.
Kei-skolen trækker stærkt på skatterne fra Nara , Japans gamle hovedstad fra 710 til 793 , og arbejder for de store templer i byen. I løbet af Kamakura periode, Kyoto-retten og den militære regering af shogunatet Kamakura genopbygge de store templer brændt under krigene i slutningen af det XII th århundrede. Mange skulpturer repareres såvel som mange bygninger, der er restaureret eller genopbygget. Denne renoveringsvirksomhed afspejler "renæssancens" karakter i denne periode.
Blandt billedhuggere af Kei-skolen er Unkei den mest berømte. Et par Kongo-rikishi ved Tōdai-ji er hans mest berømte værk, og portrætstatuerne af indiske præster ved Kōfuku-ji er ekstraordinære mesterværker. Unkei har seks billedhuggersønner, og deres produktion er også gennemsyret af ny humanisme. Tankei , den ældste søn og bemærkelsesværdige billedhugger, står i spidsen for familiens værksted. Kōshō, fjerde søn, er forfatter til en meget smuk skulptur af den japanske buddhistiske mester Kūya (903-972). Kaikei , Unkeis samarbejdspartner, er en trofast tilhænger af Pure Land- sekten og arbejder sammen med Priest Chogen (1121–1206), der er ansvarlig for genopbygningen af Tōdai-ji . Mange af hans figurer er mere idealiserede end dem fra Unkei og hans sønner og er kendetegnet ved en godt færdig overflade, rigt dekoreret med pigmenter og guld. Mere end fyrre af hans værker er kommet ned til os, hvoraf mange er underskrevet af hans hånd. Hans vigtigste præstation er Amitabha-triaden i Ono Jōdo-ji (1195).
Billedhuggere arbejder også for Kamakura Shogunate og andre militære klaner. De producerer buddhistiske skulpturer til dem såvel som skulpturelle portrætter. Den kolossale bronze af Amidhaba Buddha ved Kōtoku-in i Kamakura blev lavet i 1252 . Midlerne opnået fra de populære klasser gjorde det muligt at opføre denne kolossale bronze. Denne form for protektion udviklede og undertiden erstattede den for de velhavende og magtfulde klasser.
Buddhistiske skulpturer er mindre talrige, og deres kvalitet forringes samtidig med, at den nye zenbuddhisme forakter Buddha-billederne. De gamle sekters store templer mærker virkningerne af borgerkrige. Zen-mesternes portrætskulptur er en ny genre, der vises på dette tidspunkt. Kunsten at carving masker til teater Noh blomstrer og forbedrer XV th århundrede XVII th århundrede.
Genopbygningen af buddhistiske templer brændt ned under borgerkrigene kræver mange billedhuggere. De nye skulpturer er i det væsentlige konservative i stil og er lavet af træ og derefter forgyldt eller polykrom. Disse produktioner er for det meste blottet for kunstneriske kvaliteter. Derudover producerer nogle buddhistiske billedhuggermunke umalet billeder i groft udskåret træ. Enkū (1632–1695) og Mokujiki (1718–1810) er de bedst kendte repræsentanter. De rejser gennem Japan og producerer betydelige værker til religiøse og rituelle formeringsformål. Deres arkaiske stilarter og åndelige opskrives på XX th århundrede. Kunsten at carving masker til teater Noh fortsætter også at producere bedre værker i XVII th århundrede.
Ankomsten til japanske former for vestlig kunst er den historiske mulighed for genoplivning af japansk skulptur med introduktion af gipslignende materiale, den heroiske udendørs skulptur og koncept, der stammer fra Paris Skulpturskole betragtet som en kunstnerisk form. Disse ideer gradvist bosætte sig i Japan i slutningen af XIX th århundrede og med tilbagelevering af statens protektion, er den japanske skulptur oplever en renæssance. Efter Anden Verdenskrig vendte billedhuggerne sig væk fra den franske figurskole Rodin og Maillol og engagerede sig i aggressive moderne og avantgarde former og materialer , undertiden i meget stor skala. Et væld af materialer og teknikker karakteriserer disse nye eksperimentelle skulpturer, som også absorberer de internationale kunstneriske ideer om "op" ( optisk illusion ) og "pop" (populære motiver). Et vist antal innovative kunstnere er samtidig billedhuggere og malere eller gravører, og deres nye teorier krydser materialegrænserne.
I 1970'erne blev ideer om kontekstuel placering af natursten, træ, bambus og papirgenstande anvendt i forhold til mennesker og deres miljø anvendt af mono-ha-skolen . Kunstnerne af denne kunstneriske strøm understreger det materielle aspekt som det vigtigste inden for kunsten og sætter en stopper for den anti-formalisme, der har domineret avantgarde i de sidste tyve år. Denne vægt på forholdet mellem objekter og mennesker er allestedsnærværende i kunstverdenen og fører til en voksende forståelse af miljøets “japanske” kvaliteter samt en tilbagevenden til oprindelige kunstneriske former og principper. Blandt disse forskrifter implementeres respekt for naturen og forskellige buddhistiske begreber af arkitekter for at håndtere tidens og rummets problemer. Vestlig ideologi undersøges omhyggeligt, og meget af det, der udgør den, afvises, når kunstnere ser på deres eget miljø, både indvendigt og udvendigt, for at få inspiration. Fra slutningen af 1970'erne til 1980'erne begyndte kunstnerne at skabe en ny kunst, både nutidig og asiatisk i sine kilder og udtryk, men stadig meget vigtig i international skabelse. Disse japanske kunstnere fokuserer på at projicere deres egen individualisme og nationale stil snarere end den eksklusive tilpasning eller syntese af vestlige ideer.
Udendørs skulptur, der kom på forkant med plastikskabelsen med Hakone Friluftsmuseums fremkomst i 1969 , var meget populær i 1980'erne.Kommuner finansierede enorme udendørs skulpturer i byerne. skulpturer i deres bygninger og byarrangementer. Museer og friluftsudstillinger formerer sig og fremhæver den naturlige placering af skulptur i miljøet. Da stenskulpturen ikke stammer fra Japan, er de fleste kreationer, der udstilles udendørs, lavet af rustfrit stål, plast eller aluminium til konstruktion af "spændings- og komprimeringsmaskiner" med spejle ståloverflader eller elegante ultramoderne former i børstet aluminium. Den stærke indflydelse moderne højteknologi på kunstnere resulterede i eksperimentering af former for kinetisk trækkraft såsom fleksible buer og "miljø-infoskulpturer" ved hjælp af lys. Video komponenter og video kunst udviklet sig hurtigt fra 1970'erne til 1980'erne. De nye japanske eksperimentelle billedhuggere arbejdede fra buddhistiske begreber permeabilitet og regenerering i struktureringen af deres former, i modsætning til den fælles vestlige opfattelse af skulpturen. Som noget færdigt og med endelig konturer.
I 1980'erne var træ og naturlige materialer de valgte materialer for mange billedhuggere, som derefter begyndte at placere deres værker i indre gårde og lukkede rum. Desuden bruges en japansk stemning for rytmisk bevægelse, fanget i tilbagevendende former som "systematisk gestusbevægelse" af to veletablerede kunstnere, Kyubei Kiyomizu og Hidetoshi Nagasawa såvel som af den yngre generation ledet af Shigeo Toya.